Der Wert von Domains ist und wird auch in Zukunft schneller steigen als jeder andere Rohstoff, den die Menschheit kennt. -Bill Gates-
Maschinen, Musik und die Zukunft der Improvisation
Im Zeitalter künstlicher Intelligenz und algorithmischer Präzision verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch und Maschine – nicht nur in Fabriken oder auf Finanzmärkten, sondern zunehmend auch in den Künsten. Die Musik, einst ein Paradebeispiel menschlicher Spontaneität, ist hiervon besonders betroffen. Während Maschinen zunehmend Fähigkeiten zur Improvisation entwickeln, wird der Mensch in der Musik mehr und mehr zur perfekten Kopiermaschine degradiert. Der Widerspruch ist kaum zu übersehen: Während Algorithmen lernen zu improvisieren, hat die klassische Musik ihre eigene Improvisation fast vollständig aufgegeben.Der Verlust menschlicher Spontaneität
Im 18. und 19. Jahrhundert galt Improvisation noch als selbstverständlicher Bestandteil des Musikschaffens. Große Namen wie Bach oder Mozart waren nicht nur Komponisten, sondern ebenso begnadete Improvisatoren. In der heutigen klassischen Musik ist davon kaum etwas übrig. Hochschulausbildung, Wettbewerbsdruck und die Idealisierung des „perfekten Tons“ haben ein System geschaffen, das menschliche Unvollkommenheit nicht duldet. Übrig geblieben ist eine fast industrielle Reproduktion technisch perfekter Darbietungen – so austauschbar wie Maschinen.
Dieser Trend wurde durch die Entwicklung der Tonaufzeichnung massiv verstärkt. Aufnahmen setzen einen Referenzmaßstab, dem sich jedes Live-Konzert zu unterwerfen hat. Was früher als Ausdruck von Individualität und Moment galt, wird heute oft als Fehler abgewertet. Musikerinnen und Musiker werden in eine Rolle gedrängt, in der nicht das kreative Risiko zählt, sondern die perfekte Wiederholung – ein musikalisches Fließband.
Der Rückzug der Improvisation ins Abseits
Mit dem Rückzug der Improvisation aus der klassischen Musik wurde sie zum Markenzeichen eines anderen Genres: des Jazz. Doch auch hier wird sie häufig marginalisiert – nicht selten durch institutionellen Rassismus und akademische Hierarchien. Improvisation bleibt in vielen Ausbildungsstätten ein Randthema, bestenfalls toleriert, selten gefördert. Die Vorstellung, dass Werke mit improvisatorischen Anteilen oder gar aus der Jazztradition stammend nicht „ernstzunehmend“ seien, hält sich hartnäckig.
Dabei ist genau diese spontane, intuitive Schöpfungskraft eine der letzten Bastionen menschlicher Ausdruckskraft. In ihr liegt nicht nur Musikalität, sondern auch Widerspruch, Emotion und eine gewisse Form von Widerstand gegen das Planbare. Wenn aber auch hier Maschinen zu imitieren beginnen, was bleibt dann noch?
Maschinen lernen improvisieren – wirklich?
Künstliche Intelligenz hat in den letzten Jahren erstaunliche Fortschritte gemacht. Vom algorithmischen Börsenhandel bis hin zu autonomen Fahrzeugen reicht das Spektrum. Auch in der Musik generieren KI-Systeme mittlerweile plausible Jazz-Soli oder Barockfugen. Doch bleibt dabei oft unklar, ob es sich um echte Improvisation handelt – oder lediglich um extrem schnelle, statistisch fundierte Kompositionen.
Denn wahre Improvisation ist mehr als Berechnung. Sie lebt vom Scheitern, vom Risiko, von der Fähigkeit, im Moment Entscheidungen zu treffen, die auch falsch sein dürfen – und gerade deshalb besonders sind. Ob Maschinen je diese Fähigkeit zur intuitiven „Fehlentscheidung“ erlernen können, bleibt offen.
Zukunftsperspektiven: Verlust oder Chance?
Die Zukunft wirft komplexe Fragen auf. Werden Orchester in Zukunft durch Roboter ersetzt, die nie falsch spielen und nie krank sind? Werden Musikhochschulen „Aufführungssimulation“ unterrichten, während kreative Spontaneität algorithmisch berechnet wird? Oder erleben wir vielleicht eine Rückbesinnung auf das Menschliche, das Unvollkommene, das Einmalige?
Fest steht: Wenn die Musik nicht erneut den Mut zur Unvorhersehbarkeit findet, riskiert sie, zur bloßen Klangtapete technologischer Effizienz zu verkommen. Die Ausbildung muss dringend reformiert werden. Es braucht ein neues Bewusstsein für Improvisation – nicht nur im Jazz, sondern quer durch alle musikalischen Stile. Denn genau dort, im Spannungsfeld zwischen Fehler und Ausdruck, zwischen Struktur und Freiheit, liegt das, was Maschinen bislang nicht können: wahrhaft lebendige Musik.
Fazit
Die Musik der Zukunft steht an einem Scheideweg. Entweder sie wird perfektioniert und damit entmenschlicht – oder sie öffnet sich wieder dem Risiko, dem Zufall und dem lebendigen Ausdruck. Es liegt an uns, welche Richtung wir einschlagen.
Wenn Präzision stört – Josh Freese und das leise Ende bei den Foo Fighters
Josh Freese gilt als einer der versiertesten und gefragtesten Schlagzeuger seiner Generation. Wer ihn bucht, weiß, was er bekommt: makellose Technik, absolute Verlässlichkeit und einen musikalischen Instinkt, der über Jahrzehnte in Bands wie A Perfect Circle, Nine Inch Nails oder Devo geschärft wurde. Doch gerade diese Eigenschaften könnten ihm nun zum Verhängnis geworden sein.Am Freitag verkündete Freese überraschend auf Instagram, dass er nicht länger Teil der Foo Fighters sei. Die Mitteilung kam nicht von der Band, sondern von ihm selbst. „Well, there it is“, schrieb er lapidar. Der begleitende Text offenbarte jedoch eine deutliche Mischung aus Überraschung, Enttäuschung und einem Hauch Sarkasmus. Er sei am Montagabend von der Band informiert worden, dass man „in eine andere Richtung“ gehen wolle. Eine Begründung habe es nicht gegeben.
Nach außen hin betont Freese seine Dankbarkeit für die zwei gemeinsamen Jahre mit der Band. Doch wer zwischen den Zeilen liest, erkennt einen Musiker, der sich zu Recht fragt, warum jemand mit seiner Reputation und Leistung aus einem laufenden Projekt ausgeschlossen wird – ohne Erklärung. In einem zweiten Post veröffentlichte er eine ironische Liste mit zehn möglichen Gründen für seine Entlassung, darunter absurde Punkte wie „Ich habe versehentlich Taylor Hawkins’ Geisterkostüm auf der Bühne getragen“ oder „Ich spielte zu viele Ghost Notes, nicht Geisternoten“.
Doch hinter dem Humor steckt ein ernstes Thema: Freese’ Spielweise wird in manchen Kommentaren als zu präzise, zu „metronomhaft“ bezeichnet – und damit als „seelenlos“. In einer Band wie den Foo Fighters, die sich als Erben des rohen, ungeschliffenen Grunge verstehen, könnte diese makellose Kontrolle als zu steril empfunden worden sein. Frontmann Dave Grohl, selbst ein ikonischer Drummer, hat nie einen Hehl daraus gemacht, dass für ihn Gefühl und Energie über technischer Perfektion stehen.
Es stellt sich die Frage: Darf ein Drummer in einer Rockband zu gut sein? Ist es möglich, dass jemand wie Freese, der mit absoluter Präzision agiert, nicht zur musikalischen Identität einer Band passt, die ihre Wurzeln in der Ungeschliffenheit und dem Zufälligen hat?
Die Reaktionen auf Freeses Posts deuten darauf hin, dass viele in der Musikwelt seine Sichtweise teilen. Größen wie Stewart Copeland (The Police) oder Michael Bublé bekundeten öffentlich ihre Unterstützung. Es geht hier nicht nur um einen Personalwechsel – es geht um die grundsätzliche Frage, wie viel Raum Individualität und technisches Können in einer Bandstruktur wirklich haben.
In einer Branche, in der Authentizität oft mit Unvollkommenheit gleichgesetzt wird, scheint Freese dem Ideal zu nahe gekommen zu sein. Und das ist möglicherweise sein „Fehler“. Der Musiker, der nie zu viel Raum einnimmt, aber jede Bühne veredelt, war vielleicht zu professionell, zu präzise, zu verlässlich – und damit letztlich zu wenig „Foo Fighters“.
Was bleibt, ist ein bitterer Beigeschmack: Ein Musiker von Weltrang wird ohne Begründung aus einer Band geworfen, die sich stets als familiär und loyal inszenierte. Freese wird nicht auf der Strecke bleiben – dafür ist sein Ruf zu gefestigt. Doch seine Entlassung wirft ein Schlaglicht auf einen Widerspruch, den die Rockmusik bis heute nicht auflösen kann: dass gerade die besten oft nicht in das Bild passen, das vom „wahren Rock’n’Roll“ gezeichnet wird.
Kesha überarbeitet Single-Cover nach Kritik an KI-Einsatz – ein moderner Popstar zwischen Kunst und Technologie
Die Popsängerin Kesha hat das Artwork ihrer zweiten Single Delusional überarbeitet – und damit eine kleine, aber vielsagende Debatte rund um den Einsatz von künstlicher Intelligenz in der Musikindustrie ausgelöst. Nachdem das ursprüngliche Cover Anfang November 2024 erschienen war, entbrannte in den sozialen Medien Kritik: Das Bild – eine chaotische Ansammlung von Handtaschen auf einer Straße, übermalt mit einem hastig gesprühten „delusional“ – wirkte unausgereift. Schnell fiel auf, dass die Grafik mithilfe generativer KI entstanden war. Fans bemängelten Fehler in der Typografie und einen Mangel an künstlerischer Tiefe.Die Reaktion ließ nicht lange auf sich warten. Kesha veröffentlichte ein neues Cover – diesmal offenbar ohne KI – und nahm in einem Statement Stellung. Sie sprach über die Diskrepanz zwischen künstlerischem Anspruch und den Erwartungen an Kreative in einer zunehmend automatisierten Welt.
Was hier auf den ersten Blick wie ein belangloser Streit über Ästhetik wirkt, ist in Wirklichkeit Teil einer größeren Diskussion: Was bedeutet künstlerische Integrität im Zeitalter von KI? Und wie gehen Künstler*innen damit um, wenn Technologie beginnt, ihre Ausdrucksmittel zu simulieren – oder gar zu ersetzen?
Keshas Versuch, ihr ursprüngliches Artwork als politisches Statement zu begreifen, ist nachvollziehbar, aber in seiner Umsetzung unglücklich. Die Kritik trifft nicht allein den ästhetischen Nerv, sondern auch ein wachsendes Unbehagen mit KI-generierter Kunst im Pop-Bereich. Viele Künstler*innen kämpfen derzeit nicht nur mit den Folgen der Digitalisierung ihrer Musik, sondern zunehmend auch mit der Entwertung des Visuellen, des Persönlichen – der Handschrift, die KI nicht authentisch nachbilden kann.
In ihrer Antwort betont Kesha, dass es ihr wichtiger sei, „im Einklang mit ihrer Integrität“ zu handeln als ein intellektuelles Statement zu erzwingen. Damit trifft sie einen Nerv: Viele kreative Menschen befinden sich in einem Spannungsfeld zwischen dem Wunsch nach Relevanz und der Notwendigkeit, sich gegenüber automatisierten Produktionsprozessen abzugrenzen.
Was bleibt, ist ein Bild einer Künstlerin im Wandel. Delusional ist mehr als ein Songtitel – es ist ein Spiegel unserer Zeit, in der zwischen Technologie, Kunst und Kommerz immer wieder neu ausgehandelt werden muss, was Originalität bedeutet. Kesha stellt sich dieser Herausforderung – nicht perfekt, aber ehrlich. Und genau das macht sie derzeit relevanter denn je.
Zwischen Stille und Zensur – Russische Musikkultur im Schatten des Krieges
Seit Jahrhunderten gilt Russland als ein Land großer musikalischer Tiefe und Ausdruckskraft. Die russische Musik war stets mehr als nur Unterhaltung – sie war kulturelle Identität, seelischer Spiegel, auch politisches Bekenntnis. Von den erhabenen Sinfonien Tschaikowskys über die rebellischen Stimmen der Perestroika bis hin zu den elektronischen Subkulturen der letzten zwei Jahrzehnte war sie ein vielschichtiges Echo der russischen Seele. Doch seit dem Angriffskrieg auf die Ukraine im Februar 2022 hat sich die Lage grundlegend gewandelt. Musik, so scheint es, hat ihren gesellschaftlichen Stellenwert in Russland nicht verloren – aber er ist zu einem gefährlichen geworden.Der Krieg hat die kulturelle Landschaft nicht nur erschüttert, sondern gespalten. Künstlerinnen und Künstler sehen sich vor die Wahl gestellt: Schweigen oder Stellung beziehen. Die staatliche Propaganda nutzt Musik als Vehikel zur Mobilisierung, während oppositionelle Stimmen zusehends zum Schweigen gebracht werden. Das betrifft nicht nur aktiv protestierende Musiker – auch scheinbar unpolitische Künstler geraten unter Verdacht, wenn sie sich nicht eindeutig mit den offiziellen Narrativen solidarisieren. Kritiklosigkeit ist zur Währung des Überlebens geworden.
Besonders deutlich wird die neue ideologische Ordnung in der Pop- und Rockmusik. Namenhafte Künstler wie Oxxxymiron, der sich früh öffentlich gegen den Krieg stellte, mussten ins Exil gehen. Konzerte wurden abgesagt, Musikvideos gelöscht, Konten eingefroren. Gleichzeitig erhalten Musiker mit patriotischer Haltung staatliche Unterstützung und Medienpräsenz. Der Bruch geht durch ganze Genres, ja durch Künstlerbiografien selbst. Der Mainstream wurde gleichgeschaltet – nicht per Gesetz, sondern durch ein Klima der Einschüchterung, Denunziation und Kontrolle.
Doch auch die sogenannte „hohe Kultur“ bleibt nicht verschont. Die klassische Musikszene, einst ein Aushängeschild russischer Weltgeltung, wird zunehmend politisiert. International gefeierte Dirigenten wie Valery Gergiev wurden wegen ihrer Nähe zum Kreml auf westlichen Bühnen ausgeladen, während in Russland Künstler, die sich kritisch äußerten, von staatlichen Institutionen ausgeschlossen wurden. Das Repertoire russischer Komponisten gerät unter Druck: Einerseits wird es im Westen zum Gegenstand moralischer Debatten, andererseits wird es im Inland zur Bühne politischer Identifikation.
Gleichzeitig formiert sich im Exil eine neue Generation russischer Musiker. In Städten wie Berlin, Tiflis oder Tel Aviv entstehen kreative Knotenpunkte, in denen künstlerischer Ausdruck und politische Haltung miteinander verschmelzen. Musik wird hier wieder zu dem, was sie in Russland nicht mehr sein darf: ein Ort der Freiheit. Doch die Bedingungen sind schwierig. Der Alltag im Exil ist geprägt von Unsicherheit, begrenzten Ressourcen und kultureller Entwurzelung. Dennoch entstehen in diesen Freiräumen Lieder, Alben, Gemeinschaftsprojekte, die eine neue Sprache des Widerstands formulieren – jenseits von staatlicher Repression und ideologischer Gängelung.
Der Begriff der „Freiheit in der Musik“ ist unter diesen Bedingungen neu zu verhandeln. In Russland bedeutet er aktuell oft nur noch das taktische Schweigen oder die kreative Umgehung direkter Aussagen. Wahre Freiheit – im Sinne uneingeschränkter künstlerischer Ausdruckskraft – findet kaum noch innerhalb der Landesgrenzen statt. Dort, wo Musik sich nicht fügen will, wird sie zum Risiko. Gleichzeitig bleibt sie ein Fluchtpunkt für viele: ein emotionales Refugium in einer Zeit politischer Sprachlosigkeit.
Musik in Russland steht heute exemplarisch für die Spaltung einer Gesellschaft zwischen Anpassung, Flucht und innerem Widerstand. Ihre öffentliche Funktion ist ambivalent geworden: Sie kann mittragen, verschweigen oder opponieren – aber sie bleibt nicht neutral. Der Krieg hat die Musik nicht zum Schweigen gebracht, doch ihr Echo klingt heute brüchiger, leiser und oft aus der Ferne. Es ist ein Echo der Entwurzelung, des Protestes – und der Hoffnung auf einen anderen Morgen.
Hughes & Kettner wird Teil der Thomann GmbH – Ein bedeutender Schritt in der deutschen Musikindustrie
Am 1. Mai 2025 wurde ein Kapitel deutscher Musikgeschichte neu geschrieben: Der traditionsreiche Gitarrenverstärkerhersteller Hughes & Kettner ist offiziell in den Besitz der Thomann GmbH übergegangen. Damit wird eine der renommiertesten deutschen Amp-Marken Teil des weltweit größten Online-Versandhändlers für Musikinstrumente und Musiktechnik mit Sitz im oberfränkischen Treppendorf.Eine Marke mit Klang und Geschichte
Seit ihrer Gründung im Jahr 1984 durch Hans und Lothar Stamer hat sich Hughes & Kettner einen internationalen Ruf für innovative Gitarrenverstärker „Made in Germany“ erarbeitet. Die Firma, mit Sitz in St. Wendel im Saarland, setzte früh auf moderne Technologien und einzigartige Designs, die sich besonders durch eine hohe Klangqualität, transparente Röhrensounds und auffällige, meist blau beleuchtete Frontpanels auszeichneten.
Mit Produkten wie dem TriAmp, dem Switchblade, dem Tubemeister oder dem digitalen Black Spirit 200 prägte Hughes & Kettner nicht nur die heimische Musikszene, sondern wurde auch weltweit von Profimusikern eingesetzt – darunter Größen wie Alex Lifeson (Rush), Tommy Thayer (KISS) oder Jeff Waters (Annihilator).
Thomann – Der Gigant aus Treppendorf
Die Thomann GmbH gilt als eine der größten Erfolgsgeschichten im europäischen Musikeinzelhandel. Das Familienunternehmen, gegründet 1954, entwickelte sich von einem kleinen Musikgeschäft in Oberfranken zum weltweit führenden Anbieter für Musikinstrumente, Licht- und Tontechnik. Besonders die eigene Online-Plattform thomann.de ist heute für Musiker aus aller Welt eine zentrale Anlaufstelle.
Mit einem breit aufgestellten Markenportfolio, das auch eigene Marken wie Harley Benton, the t.bone oder Millenium umfasst, zeigt Thomann seit Jahren Expansionskraft und Innovationsfreude. Der Erwerb von Hughes & Kettner unterstreicht diese Entwicklung und markiert eine strategische Erweiterung im Bereich hochwertiger Gitarrenverstärker.
Was bedeutet der Zusammenschluss?
Der Kauf von Hughes & Kettner durch Thomann wird von Branchenkennern als strategisch kluger Schritt gewertet. Während sich Thomann damit Zugang zu jahrzehntelanger Verstärker-Expertise und technologischer Innovationskraft verschafft, bekommt Hughes & Kettner eine noch stärkere Plattform für weltweite Distribution, Marketing und Weiterentwicklung.
Die Unternehmensführung ließ verlauten, dass die Produktentwicklung und Fertigung in Deutschland bleiben soll – ein klares Bekenntnis zur Qualität und Herkunft der Marke. Thomann plant offenbar, die Traditionslinie von Hughes & Kettner weiterzuführen und gleichzeitig neue Synergien zu nutzen – etwa durch Integration in den globalen Onlinevertrieb und mögliche Erweiterungen der Produktpalette.
Stimmen zur Übernahme
Branchenexperten und Musiker reagieren überwiegend positiv auf die Nachricht. In sozialen Netzwerken äußerten sich viele Gitarristen hoffnungsvoll, dass der charakteristische Sound und das Design von Hughes & Kettner erhalten bleiben – zugleich sehen sie in Thomann einen verlässlichen Partner für die Zukunft der Marke.
Auch aus dem Unternehmen Thomann heißt es:
„Wir freuen uns sehr, Hughes & Kettner in der Thomann-Familie willkommen zu heißen. Diese Marke steht für deutsche Ingenieurskunst, kreative Klanglösungen und einen unverwechselbaren Stil – genau die Werte, die wir bei Thomann schätzen und fördern.“
Ausblick
Die Übernahme von Hughes & Kettner durch Thomann ist nicht nur ein bedeutender Moment für die deutsche Musikindustrie, sondern auch ein starkes Signal an die internationale Gitarrenszene. Sie zeigt, dass Innovation und Tradition kein Widerspruch sein müssen – und dass die Zukunft hochwertiger Gitarrenverstärker weiterhin „Made in Germany“ geschrieben wird, nun unter dem Dach eines Unternehmens, das wie kaum ein anderes für Musikbegeisterung und Kundenbindung steht.
Ob neue Produktlinien, Kooperationen mit Künstlern oder erweiterte Services – die kommenden Jahre könnten für Fans der Marke besonders spannend werden.
Iggy Pop und seine wilden Jahre – Der Urvater des Punkrock
Iggy Pop, geboren als James Newell Osterberg Jr. am 21. April 1947 in Muskegon, Michigan, gilt als einer der exzentrischsten, kompromisslosesten und einflussreichsten Musiker der Rockgeschichte. Oft als „Godfather of Punk“ bezeichnet, lebte er ein Leben am Limit – künstlerisch wie privat. Seine wilden Jahre, insbesondere in den 1960er und 70er Jahren, schrieben Musikgeschichte.Der Aufstieg mit den Stooges
Ende der 1960er gründete Iggy Pop gemeinsam mit Ron Asheton, Scott Asheton und Dave Alexander die Band The Stooges – eine rohe, aggressive Rockband, die mit ihrer Energie und Kompromisslosigkeit weit ihrer Zeit voraus war. Ihr gleichnamiges Debütalbum erschien 1969 und war kommerziell kein Erfolg, doch Songs wie „I Wanna Be Your Dog“ oder „No Fun“ wurden später als Blaupausen des Punkrock gefeiert.
Auf der Bühne war Iggy eine Naturgewalt: Er warf sich ins Publikum, schnitt sich mit Glasscherben, schmierte sich mit Erdnussbutter ein oder wälzte sich halbnackt auf dem Boden – Performances, die zwischen Selbstzerstörung und Kunst lagen.
Exzesse, Drogen und Zusammenbrüche
Mit dem zunehmenden Drogenkonsum (vor allem Heroin) gerieten Iggy und die Stooges in den frühen 70ern immer tiefer in den Abgrund. Das zweite Album „Fun House“ (1970) gilt heute als Meisterwerk, war aber ebenfalls ein Flop. Erst mit dem dritten Album „Raw Power“ (1973) – produziert von David Bowie – bekamen sie etwas mehr Aufmerksamkeit. Doch zu spät: Die Band zerbrach an internen Spannungen und Iggys exzessivem Lebensstil.
Nach einem psychischen und physischen Zusammenbruch ließ sich Iggy 1975 in eine psychiatrische Klinik einweisen. Es war Bowie, der ihn dort besuchte, unterstützte und ihn wieder aufbaute – sowohl musikalisch als auch persönlich.
Berlin, Bowie und Neubeginn
Zwischen 1976 und 1978 zog Iggy Pop gemeinsam mit David Bowie nach West-Berlin, um dem Drogenmilieu von Los Angeles zu entkommen. Diese Zeit markierte einen Wendepunkt. Iggy nahm die Alben „The Idiot“ und „Lust for Life“ auf, beide stark von Bowie beeinflusst. Hits wie „Lust for Life“ und „The Passenger“ machten ihn einem breiteren Publikum bekannt.
Die Berliner Jahre waren zwar ruhiger, aber keineswegs zahm – Iggy blieb ein wilder Geist, doch künstlerisch gereifter. Der neue Sound, geprägt von Synthesizern, düsteren Texten und kaltem Post-Punk-Vibe, öffnete ihm Türen zu neuen Fan-Generationen.
Vermächtnis
Iggy Pop überlebte nicht nur seine Zeitgenossen, sondern auch seine Dämonen. In den folgenden Jahrzehnten veröffentlichte er zahlreiche Alben, spielte in Filmen, kooperierte mit Künstlern wie Josh Homme (Queens of the Stone Age), und blieb immer: kompromisslos.
Sein Körper ist gezeichnet von Narben, seine Stimme rau und knarzig – aber seine Energie, Bühnenpräsenz und künstlerische Integrität sind bis heute legendär. Iggy Pop ist mehr als ein Überlebender – er ist ein Symbol des musikalischen Widerstands und ein ewiger Außenseiter mit Kultstatus.
Fazit:
Die wilden Jahre von Iggy Pop waren ein ekstatischer Tanz auf dem Vulkan – voller Risiko, Kreativität, Schmerz und Rebellion. Doch gerade dieser Wahnsinn formte ihn zu einer Ikone, die bis heute als Inbegriff des Punkrocks gilt.
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